Various Artists • 60s Jazz Masters

John Coltrane, Art Farmer, Milt Jackson, Rahsaan Roland Kirk, Marty Paich, Rufus Harley, Eddie Higgins, Clifford Jordan, Philly Joe Jones, Joe Harriott, Sonny Stitt, Clare Fischer ...

 

 

 

VA • Bebop

 

 

Milt Jackson, Joshua Redman, Roy Eldridge, Kenny Garrett, Art Farmer, James Moody, Charlie Parker, Roy Haynes, Tommy Flanagan, John Coltrane, Leo Wright, J.J. Johnson, Larry Goldings, Lars Gullin, Junior Mance, Zoot Sims …

Mat Mathews • Modern Art of Jazz

Artist Biography by Scott Yanow

Throughout his career, Mat Mathews fought an uphill battle to get the accordion accepted in bop-oriented jazz. He learned to play music during the Nazi occupation, and after the war ended, Mathews was inspired to play jazz when he heard a radio broadcast of Joe Mooney. He worked locally in Holland including most notably with the Millers from 1947-50. After moving to New York in 1952, he put together a quartet that for a time featured (and introduced) the young Herbie Mann on flute and tenor. Mathews' other sidemen included Art Farmer, Julius Watkins, Joe Puma, Oscar Pettiford, Percy Heath and Kenny Clarke. In addition to making records as a leader, Mathews also recorded with Carmen McRae from 1954-55. By the end of the decade he was mostly working as a studio musician, and in 1964 Mathews returned to the Netherlands. His importance to jazz greatly lessened as he has primarily worked in the studios as a player, arranger and producer, but Mathews' performances in the 1950s made a strong case for the accordion in jazz. Mathews recorded as a leader for the Dutch Van Wouw label (four titles in 1944), Brunswick (1953-54), Dawn (1956), Savoy (a 1957 date with four French horn players), Verve (live at Newport in 1957), JJM, Design and, back in the Netherlands, Ariola (1975).

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Biografía del artista por Scott Yanow

A lo largo de su carrera, Mat Mathews luchó en una ardua batalla para lograr que el acordeón fuera aceptado en el jazz orientado a los bop. Aprendió a tocar música durante la ocupación nazi, y después de que terminó la guerra, Mathews se inspiró para tocar jazz cuando escuchó una transmisión de Joe Mooney en la radio. Trabajó a nivel local en Holanda, especialmente entre los molineros de 1947-50. Después de mudarse a Nueva York en 1952, formó un cuarteto que durante un tiempo presentó (y presentó) al joven Herbie Mann en flauta y tenor. Los otros miembros de Mathews incluyeron Art Farmer, Julius Watkins, Joe Puma, Oscar Pettiford, Percy Heath y Kenny Clarke. Además de hacer registros como líder, Mathews también grabó con Carmen McRae de 1954-55. A finales de la década, trabajaba principalmente como músico de estudio, y en 1964 Mathews regresó a los Países Bajos. Su importancia para el jazz disminuyó enormemente, ya que ha trabajado principalmente en los estudios como jugador, arreglista y productor, pero las actuaciones de Mathews en la década de 1950 hicieron un caso fuerte para el acordeón en el jazz. Mathews registrado como líder para el sello holandés Van Wouw (cuatro títulos en 1944), Brunswick (1953-54), Dawn (1956), Savoy (una cita de 1957 con cuatro jugadores de corno francés), Verve (en vivo en Newport en 1957) , JJM, Diseño y, de vuelta en Holanda, Ariola (1975). 

 

Art Farmer-Benny Golson • Killer Joe

  

Art Farmer Biography by Scott Yanow
Largely overlooked during his formative years, Art Farmer's consistently inventive playing was more greatly appreciated as he continued to develop. Along with Clark Terry, Farmer helped to popularize the flügelhorn among brass players. His lyricism gave his bop-oriented style its own personality. Farmer studied piano, violin, and tuba before settling on trumpet. He worked in Los Angeles from 1945 on, performing regularly on Central Avenue and spending time in the bands of Johnny Otis, Jay McShann, Roy Porter, Benny Carter, and Gerald Wilson among others; some of the groups also included his twin brother, bassist Addison Farmer (1928-1963). After playing with Wardell Gray (1951-1952) and touring Europe with Lionel Hampton's big band (1953), Farmer moved to New York and worked with Gigi Gryce (1954-1956), Horace Silver's Quintet (1956-1958), and the Gerry Mulligan Quartet (1958-1959). Farmer, who made many recordings in the latter half of the '50s (including with Quincy Jones and George Russell and on some jam-session dates for Prestige) co-led the Jazztet with Benny Golson (1959-1962) and then had a group with Jim Hall (1962-1964). He moved to Vienna in 1968 where he joined the Austrian Radio Orchestra, worked with the Kenny Clarke-Francy Boland Big Band and toured with his own units. Starting in the '80s, Farmer visited the U.S. more often and remained greatly in demand up until his death on October 4, 1999. Farmer recorded many sessions as a leader throughout the years for Prestige, Contemporary, United Artists, Argo, Mercury, Atlantic, Columbia, CTI, Soul Note, Optimism, Concord, Enja, and Sweet Basil.
https://www.allmusic.com/artist/art-farmer-mn0000502199#biography



Benny Golson Biography by Scott Yanow
Benny Golson is a talented composer/arranger whose tenor playing has continued to evolve with time. After attending Howard University (1947-1950) he worked in Philadelphia with Bull Moose Jackson's R&B band (1951) at a time when it included one of his writing influences, Tadd Dameron on piano. Golson played with Dameron for a period in 1953, followed by stints with Lionel Hampton (1953-1954), and Johnny Hodges and Earl Bostic (1954-1956). He came to prominence while with Dizzy Gillespie's globetrotting big band (1956-1958), as much for his writing as for his tenor playing (the latter was most influenced by Don Byas and Lucky Thompson). Golson wrote such standards as "I Remember Clifford" (for the late Clifford Brown), "Killer Joe," "Stablemates," "Whisper Not," "Along Came Betty," and "Blues March" during 1956-1960. His stay with Art Blakey's Jazz Messengers (1958-1959) was significant, and during 1959-1962 he co-led the Jazztet with Art Farmer. From that point on Golson gradually drifted away from jazz and concentrated more on working in the studios and with orchestras including spending a couple of years in Europe (1964-1966). When Golson returned to active playing in 1977, his tone had hardened and sounded much closer to Archie Shepp than to Don Byas. Other than an unfortunate commercial effort for Columbia in 1977, Golson has recorded consistently rewarding albums (many for Japanese labels) since that time including a reunion with Art Farmer and Curtis Fuller in a new Jazztet. Through the years he has recorded as a leader for Contemporary, Riverside, United Artists, New Jazz, Argo, Mercury, and Dreyfus among others. Returning once again to the spirit of the original Jazztet, Golson released New Time, New 'Tet on Concord Records in 2009.
https://www.allmusic.com/artist/benny-golson-mn0000135391#biography

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Biografía de Art Farmer por Scott Yanow
En gran parte ignorado durante sus años de formación, la interpretación consistentemente inventiva de Art Farmer fue más apreciada a medida que continuaba desarrollándose. Junto con Clark Terry, Farmer ayudó a popularizar el flügelhorn entre los músicos de metal. Su lirismo le dio a su estilo orientado al bop su propia personalidad. Farmer estudió piano, violín y tuba antes de decidirse por la trompeta. Trabajó en Los Ángeles a partir de 1945, actuando regularmente en Central Avenue y pasando tiempo en las bandas de Johnny Otis, Jay McShann, Roy Porter, Benny Carter y Gerald Wilson, entre otros; algunos de los grupos también incluían a su hermano gemelo, el bajista Addison Farmer (1928-1963). Después de tocar con Wardell Gray (1951-1952) y recorrer Europa con la big band de Lionel Hampton (1953), Farmer se mudó a Nueva York y trabajó con Gigi Gryce (1954-1956), el Quinteto de Horace Silver (1956-1958) y el Cuarteto Gerry Mulligan (1958-1959). Farmer, que realizó muchas grabaciones en la segunda mitad de los años 50 (incluso con Quincy Jones y George Russell y en algunas sesiones improvisadas para Prestige) codirigió el Jazztet con Benny Golson (1959-1962) y luego formó un grupo con Jim Hall (1962-1964). Se mudó a Viena en 1968, donde se unió a la Orquesta de la Radio Austriaca, trabajó con la Big Band de Kenny Clarke-Francy Boland y realizó giras con sus propias unidades. A partir de los años 80, Farmer visitó los EE.UU. con más frecuencia y mantuvo una gran demanda hasta su muerte el 4 de octubre de 1999. Farmer grabó muchas sesiones como líder a lo largo de los años para Prestige, Contemporary, United Artists, Argo, Mercury, Atlantic, Columbia, CTI, Soul Note, Optimism, Concord, Enja y Sweet Basil.
https://www.allmusic.com/artist/art-farmer-mn0000502199#biography



Biografía de Benny Golson por Scott Yanow
Benny Golson es un talentoso compositor / arreglista cuya interpretación de tenor ha seguido evolucionando con el tiempo. Después de asistir a la Universidad de Howard (1947-1950) trabajó en Filadelfia con Bull Moose Jackson's R&B band (1951) en un momento en que incluía una de sus influencias de composición, Tadd Dameron al piano. Golson tocó con Dameron durante un período en 1953, seguido de temporadas con Lionel Hampton (1953-1954) y Johnny Hodges y Earl Bostic (1954-1956). Saltó a la fama mientras estaba con la big band trotamundos de Dizzy Gillespie (1956-1958), tanto por su composición como por su interpretación de tenor (este último estuvo más influenciado por Don Byas y Lucky Thompson). Golson escribió estándares como " I Remember Clifford "(para el difunto Clifford Brown)," Killer Joe"," Stablemates"," Whisper Not"," Along Came Betty "y" Blues March " durante 1956-1960. Su estancia con Art Blakey's Jazz Messengers (1958-1959) fue significativa, y durante 1959-1962 codirigió el Jazztet con Art Farmer. A partir de ese momento, Golson se alejó gradualmente del jazz y se concentró más en trabajar en los estudios y con orquestas, incluido pasar un par de años en Europa (1964-1966). Cuando Golson regresó a la actuación activa en 1977, su tono se había endurecido y sonaba mucho más cercano a Archie Shepp que a Don Byas. Aparte de un desafortunado esfuerzo comercial para Columbia en 1977, Golson ha grabado álbumes consistentemente gratificantes (muchos para sellos japoneses) desde entonces, incluida una reunión con Art Farmer y Curtis Fuller en un nuevo Jazztet. A lo largo de los años ha grabado como líder para Contemporary, Riverside, United Artists, New Jazz, Argo, Mercury y Dreyfus, entre otros. Volviendo una vez más al espíritu del Jazztet original, Golson lanzó New Time, New ' Tet con Concord Records en 2009.
https://www.allmusic.com/artist/benny-golson-mn0000135391#biography

VA • 1960s Jazz

 John Coltrane, Ornette Coleman, Ray Charles, Milt Jackson, Modern Jazz Quartet, Elvin Jones, Charles Mingus, Art Farmer, Rahsaan Roland Kirk, Yusef Lateef, Freddie Hubbard, Mose Allison, Brother Jack McDuff, Leo Wright ...

 

 

 

 

Ben Webster • The Soul of Ben Webster

 

 

Review by Matt Collar
Recorded in 1958 and released the following year on Verve, The Soul of Ben Webster is a superb example of swinging mainstream jazz and bop. Webster is in fine form throughout, as are his fellow musicians including trumpeter Art Farmer, bassist Milt Hinton, pianist Jimmy Jones, and others.
https://www.allmusic.com/album/the-soul-of-ben-webster-mw0000872775

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Reseña de Matt Collar
Grabado en 1958 y publicado al año siguiente en Verve, The Soul of Ben Webster es un magnífico ejemplo de swing mainstream jazz y bop. Webster está en plena forma, al igual que sus compañeros, como el trompetista Art Farmer, el bajista Milt Hinton y el pianista Jimmy Jones, entre otros.
https://www.allmusic.com/album/the-soul-of-ben-webster-mw0000872775

Michel Legrand • Legrand Jazz

 

 

Biography:
It is difficult to pin the multi-talented Michel Legrand down into one single category. This amazingly versatile French singer, songwriter, composer, arranger, conductor and producer has enjoyed a whirlwind career, excelling in an impressively broad range of domains from film soundtracks and French 'chanson' to jazz and classical music. An international star, who has won as much respect in the States as he has in Europe, Legrand is an insatiable musician whose creativity and ambition appear to know no bounds.

Michel Legrand was born in Bécon-les-Bruyères, in the Paris suburbs, on 24 February 1932. His mother, Marcelle der Mikaelian, married Raymond Legrand, a French musician renowned for hits such as “Irma la douce.” Michel spent a rather solitary childhood, growing up with his sister, Christiane. He revealed a prodigious musical talent at an early age, playing the piano when he was just four years old. As a child, he was fascinated about the life of composer Franz Schubert. Michel eventually went on to train at the Paris Conservatoire in 1942. He spent seven years there, studying under renowned teachers such as Nadia Boulanger, Henri Challan, Noël Gallon and Lucette Descaves. The young prodigy went on to win numerous awards for his skills in counterpoint, piano, fugue and 'solfège' (an award he received on 6 June 1944).

In the immediate post-war years, Michel Legrand discovered a new passion: jazz. The moment that triggered off this musical conversion was when he attended a concert by Dizzy Gillespie “ and left, totally blown away by what he had seen! By the time he graduated from the Conservatoire in 1949, Legrand had mastered a dozen instruments. And he found himself launched straight into the world of French 'chanson,' thanks to introductions from his father (with whom he had renewed ties by this point). The gifted teenager was soon working as an accompanist to many of the major French stars of the day including Henri Salvador, Juliette Gréco, Zizi Jeanmaire and Catherine Sauvage.

In 1954, Legrand stepped from the accompanying shadows centre stage when the American record label Columbia-EMI commissioned him to make an album of English adaptations of French classics. The album “I Love Paris” went on to sell a staggering 8 million copies, turning Legrand into an overnight star both at home and abroad. It was at this point that legendary French 'chanson' star Maurice Chevalier approached Legrand and offered him a post as his musical director. Legrand accepted and, in Chevalier's company, flew across the Atlantic, discovering the States in the course of numerous tours.

Meanwhile, Legrand's own solo career continued to go from strength to strength. He recorded a whole string of albums: “Holiday In Rome,” (1955) “Michel Legrand Plays Cole Porter,” (1957) and “Legrand In Rio,” (1958) all released on the Philips label, directed by Jacques Canetti. One of the high points of Legrand's early recording career was his 1956 album recorded with Boris and Henri Salvador (aka Henri Cording) under the pseudonym Big Mike “ a nickname Jean Cocteau had bestowed upon him! The following year, Legrand was invited to the USSR to perform at the Student Youth Festival. It was on this trip that he met his future wife, a young French model with who he went on to have three children (Hervé, Benjamin and Emilie).

In 1958, Legrand headed back across the Atlantic to the States and spent valuable time in New York, directing studio sessions where he mixed with the crème de la crème of the jazz world, working with the likes of Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans and Ben Webster. The album “Legrand Jazz” was a result of this white-hot jazz period.

In 1955, Michel Legrand branched out in a new direction, writing the music for Henri Verneuil's film “Amants du Tage,” under the pseudonym Lucien Legrand. But Legrand's involvement in the world of French cinema really began in earnest in the late 50s when he was caught up in the French New Wave. Working in close collaboration with a new breed of French directors, Legrand kept up a hectic non-stop schedule, composing soundtracks for up to a dozen feature films and television films a year.

Between 1961 and 1967, Legrand scored seven films for directors Jean-Luc Godard, and Jacques Demy, with whom he would work on ten major feature films between 1961 and 1988. In short, Michel Legrand was responsible for creating a new - either much-loved or much-hated - genre in the French film world: the musical! Besides working with the most avant-garde directors of the “Nouvelle Vague”, Legrand also collaborated with a number of more 'traditional' French film-makers such as Gilles Grangier and Yves Allégret. He soon found himself in great demand abroad, too. The first foreign director to recognise Legrand's talent was Joseph Losey (for whom Legrand scored “Eva” in 1962). Losey and Legrand subsequently worked together on another three occasions, most famously for “The Go-Between” (which won the 'Palme d'or' at the Cannes film festival in 1971).

Legrand had long been familiar with the French 'chanson' world, having accompanied some of its biggest stars when he was a young 20-year-old just starting out in the business. He had also put in several years at the Philips label, orchestrating countless songs for the big names of the day. When Legrand met the famous Toulousan singer Claude Nougaro in 1962, the two men hit it off immediately thanks to their shared passion for jazz. The pair even went on to write a number of Nougaro classics together including “Les Dom Juan” and “Le Cinéma.” Legrand also went on to compose and arrange material for Serge Reggiani in 1970 and he worked with Yves Montand, too, composing hits such as “Coucher avec elle.” Meanwhile, Legrand's songs were covered by a number of international stars from Liza Minnelli to Greek diva Nana Mouskouri.

But it was Jacques Brel, a singer for whom Legrand had written arrangements in the 50s, that was to play a decisive role in Legrand's career , for Brel was the one that persuaded him to get up behind the microphone and start performing his own work. As early as 1964, Legrand began building his own repertoire with a helping hand from Eddy Marnay and Jean Dréjac (for the lyrics). Over the following years, he would also work with the likes of Jean-Loup Dabadie, Boris Bergman, Jean Guidoni and novelist (and occasional songwriter) Françoise Sagan. Ever eager to branch out and conquer new territory, Michel Legrand set off for Los Angeles in 1966, with his wife and three children in tow. He spent three years there, which turned out to be an amazingly productive period for him. In 1968, Legrand sat down and wrote the soundtrack to Norman Jewison's swinging 60s film “The Thomas Crown Affair.” The theme tune from the movie, “The Windmills Of Your Mind”, (”Les Moulins de mon c”ur”) which featured French lyrics by Eddy Marnay and English lyrics by Alan and Marilyn Bergman went on to become a huge hit. In fact, Legrand ended up scooping the Oscar for Best Film Theme Song in 1969. What's more, he won another famous gold statue two years later for Best Film Music thanks to “The Summer of '42”, a film which was famous for its theme song “The Summer Knows” (French lyrics by Jean Dréjac, English lyrics by Alan and Marilyn Bergman) performed by Barbra Streisand.

Needless to say, Michel Legrand went on to become a major star in the U.S. Indeed, he soon became such a household name that he was soon invited to appear on all the prime time chat shows from The Maurice Chevalier Show and The Danny Kaye Show to The Shirley Bassey Special. Legrand, who was nominated for a Grammy Award no less than 27 times, carried off the prestigious prize five times between 1971 and 1975.

America at that time also meant jazz, of course. And, jazz being one of Legrand's greatest passions in life, he went on to perform several concerts with Ray Brown in 1968 in the famous L.A. club, Shelly's Manne-Hole. The album, “Verve”, was produced as a result of this.

Legrand's astounding versatility continued, if anything increasing over the years. He took his film work to new heights, working with Clint Eastwood in 1973 and Orson Welles in 1976. In 1983, his theme tune to Barbra Streisand’s movie “Yentl” won him yet another Oscar. Later that same year, Legrand wrote the score for “Never Say Never Again” (the last James Bond film starring Sean Connery). Meanwhile, he also extended his work to the theatre, writing the music for Jean-Louis Barrault’s play “Jarry sur la butte” (1970) and “Monte Cristo” in 1975.

In January 1972, Legrand took to the stage in his own right, performing a successful run at the Olympia (in Paris) with the singer Caterina Valente. In 1975, he gave a helping hand to a young unknown singer, Jean Guidoni, helping assure his promote him as a new talent.

In 1974, Michel Legrand suffered a blow in his personal life when he lost his father, Raymond Legrand.

In the 80s, Legrand chose to devote his time and energy to jazz, forming a trio with drummer André Ceccarelli and double-bass virtuoso Marc-Michel Le Bévillon. The threesome went on to make three albums together. In 1982, Legrand pulled off another major musical exploit, getting the two famous saxophonists, Phil Woods and Zoot Sims, together in the studio to make the album “After The Rain.” Later that year, Legrand was responsible for organising the mega-Shirley Bassey show which opened Midem (the annual record industry fair in Cannes). His first solo album as a singer since 1972 was also released at this point.

In the late 80s, as part of the official celebrations for the Bicentenary of the French Revolution, Michel Legrand staged the première of his oratorio (based on the Universal Declaration of Human Rights) in Lyon. And he ended the decade branching out in a totally new direction, stepping behind the camera to direct his own film. “Cinq jours en juin”, starring Sabine Azema and Annie Girardot, hit French cinema screens in 1989, but failed to make a major impact on cinema-goers or the critics.

Following his work as part of a jazz trio, Legrand changed musical format in the 90s, creating a big band which he took on several international tours in subsequent years, accompanying Ray Charles, Diana Ross and Icelandic pop diva Björk. He then went off to Suresnes to record an album with the orchestra (which featured a number of well-known musicians including the Belmondo brothers). The album was released in September 1999. Legrand also organised a show at the Olympia for French violinist Stéphane Grappelli who celebrated his 85th birthday in 1992. (A CD was released to mark the occasion).

In 1995, Michel Legrand got down to his composing work, writing new material for Jean Guidoni’s album “Vertigo”. The pair took to the stage together at the Casino de Paris in 1996 for a joint show which won a coveted “Victoire de la musique” award. Throughout the 90s, Legrand returned to his classical roots on several occasions. He recorded several CDs with the trumpet-player Maurice André (in 1998 and 2004), staged performances of Erik Satie’s work three times (in 1993, 1999 and 2002) and conducted requiems by Fauré and Duruflé in 1994. In the meantime, a number of songs from his own repertoire were covered by the world-famous opera singer Kiri te Kanawa on an album entitled “Kiri Sings Michel Legrand.”

In 1997, working in collaboration with the playwright Didier Van Cauwelaert, Legrand staged a new show “Le Passe Muraille” (based on Marcel Aymé’s work) at Les Bouffes Parisiens. The show proved to be a big hit with theatre-goers and Legrand also took “Le Passe Muraille” to Japan in 2000. But when, in 2002, he attempted to reinvent the show on Broadway in a new adaptation, “Amour”, it proved to be a total flop.

Various Legrand compilations have been available on the international scene since the 1980s. But in 2001, Mercury/Universal finally got round to releasing an official Legrand anthology, summing up the versatile singer-composer-musician’s career. The year before, a major tribute was staged to Michel Legrand when a bevy of stars performed his classics at an open-air concert in the courtyard of the Louvre as part of the annual “Fête de la musique.” In 2003, Legrand received recognition at an even higher level, when he was presented with the ‘Légion d'honneur’. Snowed under with honours, music awards and Oscars, this formidable talent has never let fame go to his head or dull his prodigious artistic appetite.

In 2005, Universal Jazz released “Le Cinéma de Michel Legrand”, a boxed set compilation featuring Legrand's best known film soundtracks. But Legrand himself appeared reluctant to focus on the past and was not involved in the production of this 'greatest film hits.' The 4 CD set proved to be a veritable musical treasure trove, however, featuring 90 tracks composed in the course of Legrand's 50-year career.

In June 2005, Legrand returned to the studio. This time round, it was not to compose his own work, however, but to pay tribute to his late friend and music colleague, the Toulousan singer Claude Nougaro (who died in 2004). Working with a number of leading jazz musicians and using tapes of Nougaro's voice, Legrand recorded new versions of many of the “Little Bull's” lesser-known songs which they had written together in the course of various collaborations. The album “Legrand Nougaro” also included reworkings of Nougaro classics such as “Don Juan”, “Le Cinéma” and “Le Rouge et le Noir.” The album, which proved to be more of a jazz extravaganza than a strictly 'chanson' affair, featured a special bonus, including a new song “Mon Dernier Concert” (which Nougaro had written before his death but never recorded himself).
https://musicians.allaboutjazz.com/michellegrand

Note: Michel Legrand died on January 26, 2019.

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Biografía:
Es difícil clasificar al polifacético Michel Legrand en una sola categoría. Este cantante, compositor, arreglista, director de orquesta y productor francés sorprendentemente versátil ha disfrutado de una carrera fulgurante, destacando en una impresionante gama de ámbitos que van desde las bandas sonoras de películas y la "chanson" francesa hasta el jazz y la música clásica. Estrella internacional, que se ha ganado tanto el respeto en Estados Unidos como en Europa, Legrand es un músico insaciable cuya creatividad y ambición parecen no tener límites.

Michel Legrand nació en Bécon-les-Bruyères, en los suburbios de París, el 24 de febrero de 1932. Su madre, Marcelle der Mikaelian, se casó con Raymond Legrand, un músico francés famoso por éxitos como "Irma la douce". Michel pasó una infancia bastante solitaria, creciendo con su hermana, Christiane. Reveló un prodigioso talento musical a temprana edad, tocando el piano cuando tenía sólo cuatro años. De niño, le fascinó la vida del músico Franz Schubert. Finalmente, Michel se formó en el Conservatorio de París en 1942. Pasó siete años allí, estudiando con profesores de renombre como Nadia Boulanger, Henri Challan, Noël Gallon y Lucette Descaves. El joven prodigio ganó numerosos premios por sus habilidades en contrapunto, piano, fuga y solfeo (premio que recibió el 6 de junio de 1944).

En los años inmediatos a la posguerra, Michel Legrand descubrió una nueva pasión: el jazz. El momento que desencadenó esta conversión musical fue cuando asistió a un concierto de Dizzy Gillespie " y se marchó, ¡totalmente impresionado por lo que había visto! Cuando se graduó en el Conservatorio en 1949, Legrand ya había dominado una docena de instrumentos. Y se lanzó directamente al mundo de la chanson francesa, gracias a las presentaciones de su padre (con quien ya había renovado sus lazos). El talentoso adolescente pronto trabajó como acompañante de muchas de las principales estrellas francesas de la época, como Henri Salvador, Juliette Gréco, Zizi Jeanmaire y Catherine Sauvage.

En 1954, Legrand se apartó de las sombras del acompañamiento cuando el sello discográfico estadounidense Columbia-EMI le encargó un álbum de adaptaciones en inglés de clásicos franceses. El álbum "I Love Paris" vendió la asombrosa cantidad de 8 millones de copias, convirtiendo a Legrand en una estrella de la noche a la mañana tanto en casa como en el extranjero. Fue entonces cuando la legendaria estrella francesa de la chanson Maurice Chevalier se acercó a Legrand y le ofreció un puesto como director musical. Legrand aceptó y, en compañía de Chevalier, cruzó el Atlántico, descubriendo los Estados Unidos en el curso de numerosas giras.

Mientras tanto, la carrera en solitario de Legrand seguía avanzando con fuerza. Grabó toda una serie de álbumes: "Holiday In Rome" (1955), "Michel Legrand Plays Cole Porter" (1957) y "Legrand In Rio" (1958), todos publicados por el sello Philips, dirigido por Jacques Canetti. Uno de los puntos culminantes de la carrera discográfica de Legrand fue su álbum de 1956 grabado con Boris y Henri Salvador (alias Henri Cording) bajo el seudónimo de Big Mike " un apodo que Jean Cocteau le había dado! Al año siguiente, Legrand fue invitado a la URSS para actuar en el Festival de la Juventud Estudiantil. En este viaje conoció a su futura esposa, una joven modelo francesa con la que tuvo tres hijos (Hervé, Benjamin y Emilie).

En 1958, Legrand volvió a cruzar el Atlántico a los Estados Unidos y pasó un tiempo valioso en Nueva York, dirigiendo sesiones de estudio donde se mezcló con la crème de la crème del mundo del jazz, trabajando con gente como Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans y Ben Webster. El álbum "Legrand Jazz" fue el resultado de este período de jazz al rojo vivo.

En 1955, Michel Legrand tomó una nueva dirección, escribiendo la música de la película "Amants du Tage" de Henri Verneuil, bajo el seudónimo de Lucien Legrand. Pero la implicación de Legrand en el mundo del cine francés comenzó realmente en serio a finales de los 50 cuando se vio envuelto en la Nueva Ola Francesa. Trabajando en estrecha colaboración con una nueva generación de directores franceses, Legrand mantuvo una agitada agenda sin parar, componiendo bandas sonoras para hasta una docena de películas de cine y televisión al año.

Entre 1961 y 1967, Legrand realizó siete películas para los directores Jean-Luc Godard y Jacques Demy, con los que trabajaría en diez grandes largometrajes entre 1961 y 1988. En resumen, Michel Legrand fue el responsable de crear un nuevo género -muy querido o muy odiado- en el mundo del cine francés: ¡el musical! Además de trabajar con los directores más vanguardistas de la "Nouvelle Vague", Legrand también colaboró con algunos cineastas franceses más "tradicionales" como Gilles Grangier e Yves Allégret. Pronto se encontró también muy solicitado en el extranjero. El primer director extranjero que reconoció el talento de Legrand fue Joseph Losey (para el que Legrand firmó "Eva" en 1962). Posteriormente, Losey y Legrand trabajaron juntos en otras tres ocasiones, la más famosa de ellas para "The Go-Between" (que ganó la 'Palma de Oro' en el festival de cine de Cannes en 1971).

Legrand conocía desde hacía mucho tiempo el mundo de la chanson francesa, ya que había acompañado a algunas de sus mayores estrellas cuando era un joven de 20 años que empezaba en el negocio. También había trabajado varios años en el sello Philips, orquestando incontables canciones para los grandes nombres del momento. Cuando Legrand conoció al famoso cantante tolosano Claude Nougaro en 1962, los dos hombres se llevaron bien inmediatamente gracias a su pasión común por el jazz. Incluso escribieron juntos varios clásicos de Nougaro como "Les Dom Juan" y "Le Cinéma". Legrand también pasó a componer y arreglar material para Serge Reggiani en 1970 y trabajó con Yves Montand, también, componiendo éxitos como "Coucher avec elle". Mientras tanto, las canciones de Legrand fueron cubiertas por varias estrellas internacionales, desde Liza Minnelli a la diva griega Nana Mouskouri.

Pero fue Jacques Brel, un cantante para el que Legrand había escrito arreglos en los años 50, el que jugó un papel decisivo en la carrera de Legrand , ya que Brel fue el que le convenció para que se pusiera detrás del micrófono y empezara a interpretar su propia obra. Ya en 1964, Legrand comenzó a construir su propio repertorio con la ayuda de Eddy Marnay y Jean Dréjac (para las letras). Durante los años siguientes, también trabajaría con gente como Jean-Loup Dabadie, Boris Bergman, Jean Guidoni y la novelista (y compositora ocasional) Françoise Sagan. Siempre deseoso de expandirse y conquistar nuevos territorios, Michel Legrand partió hacia Los Ángeles en 1966, con su esposa y sus tres hijos. Pasó allí tres años, que resultaron ser un período increíblemente productivo para él. En 1968, Legrand se sentó y escribió la banda sonora de la película de los 60 de Norman Jewison "The Thomas Crown Affair". El tema de la película, "Los molinos de tu mente", ("Les Moulins de mon c "ur"), con letra francesa de Eddy Marnay y letra inglesa de Alan y Marilyn Bergman, se convirtió en un gran éxito. De hecho, Legrand terminó ganando el Oscar a la mejor canción temática en 1969. Es más, ganó otra famosa estatua de oro dos años más tarde por la mejor música de película gracias a "El verano del 42", una película famosa por su canción temática "El verano sabe" (letra francesa de Jean Dréjac, letra inglesa de Alan y Marilyn Bergman) interpretada por Barbra Streisand.

No hace falta decir que Michel Legrand se convirtió en una gran estrella en los EE.UU. De hecho, pronto se hizo tan conocido que pronto fue invitado a aparecer en todos los programas de chat en horario de máxima audiencia, desde The Maurice Chevalier Show y The Danny Kaye Show hasta el especial de Shirley Bassey. Legrand, que fue nominado para un premio Grammy no menos de 27 veces, se llevó el prestigioso premio cinco veces entre 1971 y 1975.

América en ese momento también significaba jazz, por supuesto. Y, siendo el jazz una de las mayores pasiones de Legrand en la vida, realizó varios conciertos con Ray Brown en 1968 en el famoso club de Los Ángeles, Shelly's Manne-Hole. El álbum, "Verve", fue producido como resultado de esto.

La asombrosa versatilidad de Legrand continuó, si acaso aumentando a lo largo de los años. Llevó su trabajo cinematográfico a nuevas alturas, trabajando con Clint Eastwood en 1973 y Orson Welles en 1976. En 1983, su tema de la película "Yentl" de Barbra Streisand le hizo ganar otro Oscar. Más tarde ese mismo año, Legrand escribió la partitura de "Never Say Never Again" (la última película de James Bond protagonizada por Sean Connery). Mientras tanto, también extendió su trabajo al teatro, escribiendo la música para la obra de Jean-Louis Barrault "Jarry sur la butte" (1970) y "Monte Cristo" en 1975.

En enero de 1972, Legrand se subió al escenario por derecho propio, realizando una exitosa carrera en el Olympia (en París) con la cantante Caterina Valente. En 1975, ayudó a un joven cantante desconocido, Jean Guidoni, asegurando su promoción como un nuevo talento.

En 1974, Michel Legrand sufrió un golpe en su vida personal cuando perdió a su padre, Raymond Legrand.

En los años 80, Legrand eligió dedicar su tiempo y energía al jazz, formando un trío con el baterista André Ceccarelli y el virtuoso del contrabajo Marc-Michel Le Bévillon. El trío llegó a hacer tres álbumes juntos. En 1982, Legrand realizó otra gran hazaña musical, reuniendo a los dos famosos saxofonistas, Phil Woods y Zoot Sims, en el estudio para hacer el álbum "After The Rain". Más tarde ese año, Legrand fue responsable de organizar el mega-show de Shirley Bassey que inauguró Midem (la feria anual de la industria discográfica en Cannes). Su primer álbum en solitario como cantante desde 1972 también fue lanzado en este momento.

A finales de los años 80, en el marco de las celebraciones oficiales del Bicentenario de la Revolución Francesa, Michel Legrand estrenó en Lyon su oratorio (basado en la Declaración Universal de los Derechos Humanos). Y terminó la década tomando una dirección totalmente nueva, poniéndose detrás de la cámara para dirigir su propia película. "Cinq jours en juin", protagonizada por Sabine Azema y Annie Girardot, llegó a las pantallas francesas en 1989, pero no tuvo gran repercusión ni en los espectadores ni en la crítica.

Después de su trabajo como parte de un trío de jazz, Legrand cambió de formato musical en los años 90, creando una big band que realizó varias giras internacionales en los años siguientes, acompañando a Ray Charles, Diana Ross y a la diva del pop islandés Björk. Luego se fue a Suresnes para grabar un álbum con la orquesta (en el que participaron varios músicos conocidos, entre ellos los hermanos Belmondo). El álbum se publicó en septiembre de 1999. Legrand también organizó un espectáculo en el Olimpia para el violinista francés Stéphane Grappelli, que celebró su 85 cumpleaños en 1992. (Un CD fue lanzado para marcar la ocasión).

En 1995, Michel Legrand se puso manos a la obra para componer, escribiendo nuevo material para el álbum "Vértigo" de Jean Guidoni. La pareja subió al escenario juntos en el Casino de París en 1996 para un espectáculo conjunto que ganó el codiciado premio "Victoire de la musique". A lo largo de los 90, Legrand volvió a sus raíces clásicas en varias ocasiones. Grabó varios discos compactos con el trompetista Maurice André (en 1998 y 2004), realizó tres representaciones de la obra de Erik Satie (en 1993, 1999 y 2002) y dirigió réquiemes de Fauré y Duruflé en 1994. Mientras tanto, varias canciones de su propio repertorio fueron cubiertas por el cantante de ópera mundialmente famoso Kiri te Kanawa en un álbum titulado "Kiri Sings Michel Legrand".

En 1997, en colaboración con el dramaturgo Didier Van Cauwelaert, Legrand puso en escena en Les Bouffes Parisiens un nuevo espectáculo "Le Passe Muraille" (basado en la obra de Marcel Aymé). El espectáculo tuvo un gran éxito entre los espectadores y Legrand también llevó "Le Passe Muraille" a Japón en 2000. Pero cuando en 2002 intentó reinventar el espectáculo en Broadway en una nueva adaptación, "Amour", resultó ser un fracaso total.

Varias compilaciones de Legrand han estado disponibles en la escena internacional desde la década de 1980. Pero en 2001, Mercury/Universal finalmente logró lanzar una antología oficial de Legrand, que resume la carrera del versátil cantante-compositor-músico. El año anterior, se rindió un gran homenaje a Michel Legrand cuando un grupo de estrellas interpretó sus clásicos en un concierto al aire libre en el patio del Louvre como parte de la "Fête de la musique" anual. En 2003, Legrand recibió un reconocimiento de un nivel aún más alto, cuando se le otorgó la "Légion d'honneur". Bajo la nieve de los honores, los premios de la música y los Oscars, este formidable talento no ha dejado nunca que la fama se le suba a la cabeza ni que se apague su prodigioso apetito artístico.

En 2005, Universal Jazz lanzó "Le Cinéma de Michel Legrand", una compilación en caja con las bandas sonoras de las películas más conocidas de Legrand. Pero el propio Legrand parecía reacio a centrarse en el pasado y no participó en la producción de este "gran éxito cinematográfico". El set de 4 CDs resultó ser un verdadero tesoro musical, sin embargo, con 90 canciones compuestas en el curso de los 50 años de carrera de Legrand.

En junio de 2005, Legrand volvió al estudio. Esta vez no fue para componer su propia obra, sino para rendir homenaje a su difunto amigo y colega musical, el cantante tolosano Claude Nougaro (fallecido en 2004). Trabajando con algunos de los principales músicos de jazz y utilizando cintas de la voz de Nougaro, Legrand grabó nuevas versiones de muchas de las canciones menos conocidas de "Little Bull" que habían escrito juntos en el curso de varias colaboraciones. El álbum "Legrand Nougaro" también incluía reelaboraciones de clásicos de Nougaro como "Don Juan", "Le Cinéma" y "Le Rouge et le Noir". El álbum, que resultó ser más un extravagante espectáculo de jazz que un asunto estrictamente de "chanson", incluía un bono especial, incluyendo una nueva canción "Mon Dernier Concert" (que Nougaro había escrito antes de su muerte pero que nunca grabó él mismo).
https://musicians.allaboutjazz.com/michellegrand

Nota: Michel Legrand murió el 26 de enero de 2019.

http://michellegrandofficial.com/

Gigi Gryce - Clifford Brown • Gigi Gryce - Clifford Brown Sextet [Jazz Connoisseur]

 

 

Compilation released in 2016 bringing together the 1953 sessions of the Gigi Gryce-Clifford Brown Sextet and the Clifford Brown Quartet.

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Compilación de 2016 que reúne las sesiones de 1953 del Gigi Gryce-Clifford Brown Sextet y del Clifford Brown Quartet. 

 

George Russell • New York, New York

 

Review by Ken Dryden
George Russell was one of the most forward-thinking composers and arrangers on the jazz scene during the 1950s, but his work was generally more appreciated by musicians than the jazz-buying public. New York, New York represents one of many high points in his career. He assembled an all-star orchestra, including pianist Bill Evans (a frequent participant on Russell's recordings), Art Farmer, Bob Brookmeyer, John Coltrane, and Milt Hinton, among others. In Rodgers & Hart's "Manhattan," Russell has the soloists playing over the orchestra's vamp, while he also creates an imaginative "East Side Medley" combining the standards "Autumn in New York" and "How About You." His original material is just as striking as his arrangements, while vocalist Jon Hendricks serves as narrator between orchestra segments. While this release has been reissued several times, it rarely remains in print for long, so don't miss the opportunity to acquire this elusive CD.
https://www.allmusic.com/album/new-york-ny-mw0000309054

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Reseña de Ken Dryden
George Russell fue uno de los compositores y arreglistas más vanguardistas de la escena del jazz durante la década de 1950, pero su trabajo fue generalmente más apreciado por los músicos que por el público comprador de jazz. New York, New York representa uno de los muchos puntos álgidos de su carrera. Reunió a una orquesta de estrellas, como el pianista Bill Evans (participante habitual en las grabaciones de Russell), Art Farmer, Bob Brookmeyer, John Coltrane y Milt Hinton, entre otros. En "Manhattan" de Rodgers & Hart, Russell hace que los solistas toquen sobre el vamp de la orquesta, mientras que también crea un imaginativo "East Side Medley" combinando los estándares "Autumn in New York" y "How About You". Su material original es tan sorprendente como sus arreglos, mientras que el vocalista Jon Hendricks sirve de narrador entre los segmentos de la orquesta. Aunque este disco se ha reeditado en varias ocasiones, rara vez se mantiene impreso durante mucho tiempo, así que no pierda la oportunidad de adquirir este CD escurridizo.
https://www.allmusic.com/album/new-york-ny-mw0000309054

Art Farmer & Tommy Flanagan • Stablemates

 

Tom Jobim & Sérgio Mendes • Tom Jobim & Sérgio Mendes

This is described on the cover somewhat disingenuously as a collaborative album, when in fact it is a compilation. Five of the tracks (not one continuous side, as suggested by the liner notes) are taken from Mendes' 1965 album Bossa Nova York/The Swinger From Rio. The other six tracks are from second session with Caymmi and his son Dori. The Mendes tracks alternate with the Caymmi tracks. Jobim is the only constant.
https://www.discogs.com/release/3635129-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes

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Esto se describe en la portada de manera un tanto engañosa como un álbum colaborativo, cuando en realidad es una compilación. Cinco de las pistas (no un lado continuo, como sugieren las notas) están tomadas del álbum de Mendes de 1965 Bossa Nova York / The Swinger From Rio. Los otros seis temas son de la segunda sesión con Caymmi y su hijo Dori. Las pistas de Mendes se alternan con las pistas de Caymmi. Jobim es la única constante.
https://www.discogs.com/release/3635129-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes

Gerry Mulligan • Johnny Mandel's Jazz Score From I Want To Live

Review from Jazz Journal (by Gordon Jack):

Johnny Mandel's score for I Want to Live is performed by an all-star septet led by Gerry Mulligan. In the film he is name-checked by Susan Hayward in the Oscar-winning role of Barbara Graham who was executed in San Quentin in 1955. Listening to "Night Watch" on the radio in the condemned cell she says "Gerry Mulligan... I know all his sides by heart." Mulligan was so impressed with the music that he commissioned the composer to adapt "Black Nightgown", "Barbara's Theme" and "Theme From I Want to Live" for his 1960 Concert Jazz Band. All the horns have a chance to shine on the catchy "Black Nightgown" which is introduced by Red Mitchell's simple but effective descending bass line. The dramatic "I Want to Live" is a perfect vehicle for the dark sonorities of Mulligan's baritone contrasted effectively here with the delicacy of Shank's flute. "Life's a Funny Thing" is notable for some inventive exchanges between Frank Rosolino and Mulligan which was one of their only meetings on record apart from Quincy Jones' score for the 1972 movie The Hot Rock.

https://jazzjournal.co.uk/2019/03/13/gerry-mulligan-i-want-to-live/

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Reseña de Jazz Journal (por Gordon Jack):

La partitura de Johnny Mandel para I Want to Live es interpretada por un septeto de estrellas liderado por Gerry Mulligan. En la pelicula es mencionado por Susan Hayward en el papel ganador del Oscar de Barbara Graham, quien fue ejecutada en San Quentin en 1955. Escuchando "Night Watch" en la radio en la celda de los condenados, ella dice "Gerry Mulligan... me se de memoria todos sus discos." Mulligan quedo tan impresionado con la musica que comisiono al compositor para adaptar "Black Nightgown", "Barbara's Theme" y "Theme From I Want to Live" para su Concert Jazz Band de 1960. Todos los metales tienen la oportunidad de brillar en el pegadizo "Black Nightgown", que es introducido por la simple pero efectiva linea de bajo descendente de Red Mitchell. El dramatico "I Want to Live" es el vehiculo perfecto para las sonoridades oscuras del baritono de Mulligan contrastadas efectivamente aqui con la delicadeza de la flauta de Shank. "Life's a Funny Thing" es notable por algunos intercambios inventivos entre Frank Rosolino y Mulligan, que fue uno de sus unicos encuentros en disco ademas de la partitura de Quincy Jones para la pelicula de 1972 The Hot Rock.

https://jazzjournal.co.uk/2019/03/13/gerry-mulligan-i-want-to-live/

Sonny Clark • Dial 'S' for Sonny

 

Conrad Yeatis "Sonny" Clark (July 21, 1931 – January 13, 1963) was an American jazz pianist who mainly worked in the hard bop idiom.

Clark was born and raised in Herminie, Pennsylvania, a coal mining town east of Pittsburgh. His parents were originally from Stone Mountain, Georgia. His miner father, Emory Clark, died of a lung disease two weeks after Sonny was born. Sonny was the youngest of eight children. At age 12, he moved to Pittsburgh.

When visiting an aunt in California at age 20, Clark decided to stay and began working with saxophonist Wardell Gray. Clark went to San Francisco with Oscar Pettiford and after a couple months, was working with clarinetist Buddy DeFranco in 1953. Clark toured the United States and Europe with DeFranco until January 1956, when he joined The Lighthouse All-Stars, led by bassist Howard Rumsey.

Wishing to return to the east coast, Clark served as accompanist for singer Dinah Washington in February 1957 in order to relocate to New York City. In New York, Clark was often requested as a sideman by many musicians, partly because of his rhythmic comping. He frequently recorded for Blue Note Records, playing as a sideman with many hard bop players, including Kenny Burrell, Donald Byrd, Paul Chambers, John Coltrane, Dexter Gordon, Art Farmer, Curtis Fuller, Grant Green, Philly Joe Jones, Clifford Jordan, Jackie McLean, Hank Mobley, Art Taylor, and Wilbur Ware. He also recorded sessions with Charles Mingus, Sonny Rollins, Billie Holiday, Stanley Turrentine, and Lee Morgan.

As a band leader, Clark recorded albums Dial "S" for Sonny (1957), Sonny's Crib (1957), Sonny Clark Trio (1957), with Paul Chambers and Philly Joe Jones, and Cool Struttin' (1958). Sonny Clark Trio, with George Duvivier and Max Roach was released in 1960.

Clark died in New York City; the official cause was listed as a heart attack, but the likely cause was a heroin overdose.

Close friend and fellow jazz pianist Bill Evans dedicated the composition "NYC's No Lark" (an anagram of "Sonny Clark") to him after his death, included on Evans' Conversations with Myself (1963). John Zorn, Wayne Horvitz, Ray Drummond, and Bobby Previte recorded an album of Clark's compositions, Voodoo (1985), as the Sonny Clark Memorial Quartet. Zorn also recorded several of Clark's compositions with Bill Frisell and George Lewis on News for Lulu (1988) and More News for Lulu (1992).

 

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Sonny Clark (Conrad Yeatis Clark, Herminie, de Pensilvania, 21 de julio de 1931 – 13 de enero de 1963) fue un pianista de jazz que principalmente desarrolló el idioma del hard bop.

Clark nació y fue criado en Herminie. A la edad de 12 años se mudó a Pittsburgh. Cuando estaba de visita en California, a los 20 años, decidió quedarse y comenzar a trabajar con el saxofonista Wardell Gray. Clark fue a San Francisco con Oscar Pettiford, y, luego de un par de meses, estaba trabajando con el clarinetista Buddy DeFranco en 1953. Clark recorrió los Estados Unidos y Europa con DeFranco hasta enero de 1956, cuando se unió a The Lighthouse All-Stars, orquesta de The Lighthouse Cafe de Hermosa Beach dirigida por el contrabajista Howard Rumsey.

Deseando volver a la costa este, Clark sirvió de acompañamiento de la cantante Dinah Washington en febrero de 1957 para reubicarse en la ciudad de Nueva York. Allí, Clark era requerido usualmente como acompañante por muchos músicos. Frecuentemente grabó para Blue Note Records tocando como acompañante de muchos músicos del hard bop, entre ellos Kenny Burrell, Donald Byrd, Paul Chambers, John Coltrane, Dexter Gordon, Art Farmer, Curtis Fuller, Grant Green, Philly Joe Jones, Clifford Jordan, Jackie McLean, Hank Mobley, Art Taylor y Wilbur Ware. También grabó sesiones con Charles Mingus, Sonny Rollins, Billie Holiday, Stanley Turrentine, y Lee Morgan.

Clark murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York.1 Algunos comentarios atribuyen su temprana muerte al abuso de las drogas y del alcohol.

Su amigo Bill Evans dedicó al fallecido una composición titulada con un anagrama de su nombre: NYC's No Lark (Sin alondra en Nueva York, tomando la alondra como símbolo del alba); la pieza se publicó en el álbum Conversations with Myself (1963).

John Zorn, Wayne Horvitz, Ray Drummond y Bobby Previte, con el nombre de The Sonny Clark Memorial Quartet, grabaron un álbum de composiciones de Clark: Voodoo (1985). Zorn también grabó varias de las composiciones de Clark con Bill Frisell y George Lewis en los álbumes News for Lulu (1988) y More News for Lulu (1992).

Gene Ammons • The Happy Blues

 Review by Scott Yanow
The Happy Blues is one of the great studio jam sessions in history. Tenor saxophonist Gene Ammons is teamed up with trumpeter Art Farmer, altoist Jackie McLean, pianist Duke Jordan, bassist Addison Farmer, drummer Art Taylor, and the congas of Candido for four lengthy selections. Best is the title track, which has memorable solos and spontaneous but perfectly fitting riffing by the horns behind each others' solos. The other numbers ("The Great Lie," "Can't We Be Friends," and "Madhouse") are also quite enjoyable, making this a highly recommended set.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-blues-mw0000413645

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Reseña de Scott Yanow
The Happy Blues es una de las grandes jam sessions de estudio de la historia. El saxofonista tenor Gene Ammons se junta con el trompetista Art Farmer, el contralto Jackie McLean, el pianista Duke Jordan, el bajista Addison Farmer, el baterista Art Taylor y las congas de Candido para cuatro largas selecciones. La mejor es la canción que da título al disco, que tiene unos solos memorables y un riffing espontáneo pero perfectamente ajustado por parte de las trompas tras los solos de los demás. Los demás temas ("The Great Lie", "Can't We Be Friends" y "Madhouse") también son muy agradables, por lo que es un disco muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-blues-mw0000413645

André Previn-Gerry Mulligan-Carmen McRae • Performing Music From The Subterraneans

 

Cliff Jordan • Cliff Craft

  

 Clifford Jordan's Cliff Craft (1957) is a vehicle for his warm, powerful tenor sax. Jordan was not the flashiest player in the Blue Note stable, but he exuded confidence with every note. It seems likely that he was aware of Sonny Rollins as a stylist, but he was also looking further back to Charlie Parker and Coleman Hawkins. In 1957 Jordan was still working through his influences on his way to his own sound, but he had a huge presentation that must have made him an exciting player to see live. On this date, Jordan was joined by the magnificent—if ill- fated— Sonny Clark, who always structured his blues with unusual dexterity and originality, as well as the great Art Farmer on trumpet.

As a Van Gelder recording, Cliff Craft has one unusual feature. It was recorded in 1957, the first year stereo was widely employed. The date pushes both horns to the far left, instead of the more common split arrangement. The piano is nicely recessed into the stage, and is as fully realized as any in this catalog. The walking bass line on "Soul-Lo Blues" is forward in the mix with a terrific "thwack," and the cymbals have a widely dispersed ringing tone to them. Overall this is an excellent recording with smooth, detailed sound and terrific instrument definition.     

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 Cliff Craft (1957) de Clifford Jordan es un vehículo para su cálido y poderoso saxo tenor. Jordan no era el intérprete más llamativo de la casa Blue Note, pero desprendía confianza en cada nota. Es probable que conociera a Sonny Rollins como estilista, pero también miraba más atrás, a Charlie Parker y Coleman Hawkins. En 1957 Jordan todavía estaba trabajando con sus influencias en su camino hacia su propio sonido, pero tenía una enorme presentación que debió hacer de él un jugador emocionante de ver en vivo. En esta fecha, a Jordan se le unió el magnífico -aunque malogrado- Sonny Clark, que siempre estructuró su blues con inusual destreza y originalidad, así como el gran Art Farmer a la trompeta.

Como grabación de Van Gelder, Cliff Craft tiene una característica inusual. Se grabó en 1957, el primer año en que se empleó ampliamente el estéreo. La fecha empuja las dos trompas al extremo izquierdo, en lugar de la disposición dividida más común. El piano está muy bien empotrado en el escenario, y es tan completo como cualquiera de este catálogo. La línea de bajo en "Soul-Lo Blues" se encuentra en la mezcla con un excelente "thwack", y los platillos tienen un tono muy disperso. En general, se trata de una grabación excelente con un sonido suave y detallado y una excelente definición de los instrumentos.     

John La Porta - The Brothers Sandole • Rare and Obscure Jazz Albums, Modern Music from Philadelphia - Conceptions

 

Description from Fresh Sound Records (Blue Sounds):
Modern Music from Philadelphia: Operating solely on an artistic basis, The Brothers Sandole band was not a commercial venture, but a band decidedly different, daring and experimental. Dennis and Adolph Sandole were music teachers in Philadelphia, who actually wanted to keep teaching but felt that their music was completely original, and so harmonically different in scope that it deserved to be heard on its own merits. The dense, full character of its original figures gave the unit a distinct big band sound, and all the improvisation fits into a well-written pattern. Four of the ten scores presented here are by Dennis, two of them so concise they are over in a matter of seconds; the rest are by Adolph. All compositions by the Sandole brothers are actually cleverly planned pictures, and flawlessly performed. You'll find the entire album to be a rewarding experience, but unfortunately, it was the only one they recorded. A must-have for any jazz collector.

Conceptions: John La Porta was a most skilled musician — clarinetist, alto saxophonist, composer, arranger and teacher. His compositions contain all the elements of modern music — complex rhythmic patterns, rich harmonic colors, and fresh melodic ideas. This set of original compositions for various combinations of instruments illustrates his unusual conception of jazz forms. A more original and creative use of these modern sounds would be hard to find.
https://www.freshsoundrecords.com/sandole-brothers-john-la-porta-albums/54788-modern-music-from-philadelphia-conceptions-2-lp-on-1-cd.html

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Descripción de Fresh Sound Records (Blue Sounds):
Modern Music from Philadelphia: Operando exclusivamente sobre una base artística, la banda de The Brothers Sandole no era una empresa comercial, sino una banda decididamente diferente, atrevida y experimental. Dennis y Adolph Sandole eran profesores de música en Filadelfia, que en realidad querían seguir enseñando pero sentían que su música era completamente original, y tan diferente en alcance armónico que merecía ser escuchada por sus propios méritos. El carácter denso y completo de sus figuras originales le daba a la unidad un sonido distintivo de big band, y toda la improvisación encaja en un patrón bien escrito. Cuatro de las diez partituras presentadas aquí son de Dennis, dos de ellas tan concisas que terminan en cuestión de segundos; el resto son de Adolph. Todas las composiciones de los hermanos Sandole son en realidad cuadros hábilmente planificados, e interpretados impecablemente. Encontrarás que el álbum completo es una experiencia gratificante, pero lamentablemente fue el único que grabaron. Imprescindible para cualquier coleccionista de jazz.

Conceptions: John La Porta era un músico muy hábil — clarinetista, saxofonista alto, compositor, arreglista y profesor. Sus composiciones contienen todos los elementos de la música moderna — patrones rítmicos complejos, ricos colores armónicos e ideas melódicas frescas. Este conjunto de composiciones originales para diversas combinaciones de instrumentos ilustra su inusual concepción de las formas del jazz. Difícilmente se podría encontrar un uso más original y creativo de estos sonidos modernos.
https://www.freshsoundrecords.com/sandole-brothers-john-la-porta-albums/54788-modern-music-from-philadelphia-conceptions-2-lp-on-1-cd.html

Wardell Gray • Central Avenue

  

Biography by Scott Yanow
Wardell Gray was one of the top tenors to emerge during the bop era (along with Dexter Gordon and Teddy Edwards). His Lester Young-influenced tone made his playing attractive to swing musicians as well as younger modernists. He grew up in Detroit, playing in local bands as a teenager. Gray was with Earl Hines during 1943-1945, recording with him (1945). That same year, he moved to Los Angeles and he became a major part of the Central Avenue scene, having nightly tenor battles with Dexter Gordon; their recording of "The Chase" was popular. Gray recorded with Charlie Parker in 1947 and yet his style appealed to Benny Goodman, with whom he played the following year. Among his own sessions, his solos on "Twisted" (1949) and "Farmer's Market" (1952) were turned into memorable vocalese by Annie Ross a few years later. Back in New York, Gray played and recorded with Tadd Dameron and the Count Basie septet and big band (1950-1951); "Little Pony," his showcase with the Basie orchestra, is a classic. Gray was featured on some Norman Granz jam sessions ("Apple Jam" has a particularly heated solo) and recorded with Louie Bellson (1952-1953). Ironically, Wardell Gray, who in the late '40s was an inspiration to some younger musicians due to his opposition to drug use, himself became involved in drugs and died mysteriously in Las Vegas on May 25, 1955, when he was just 34.
https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography

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Biografía de Scott Yanow
Wardell Gray fue uno de los mejores tenores que surgieron durante la era del bop (junto con Dexter Gordon y Teddy Edwards). Su tono, influenciado por Lester Young, hizo que su forma de tocar resultara atractiva tanto para los músicos de swing como para los jóvenes modernistas. Creció en Detroit y tocó en bandas locales durante su adolescencia. Gray estuvo con Earl Hines durante 1943-1945, grabando con él (1945). Ese mismo año se trasladó a Los Ángeles y se convirtió en una parte importante de la escena de Central Avenue, manteniendo batallas nocturnas de tenor con Dexter Gordon; su grabación de "The Chase" fue muy popular. Gray grabó con Charlie Parker en 1947 y, sin embargo, su estilo atrajo a Benny Goodman, con quien tocó al año siguiente. Entre sus propias sesiones, sus solos en "Twisted" (1949) y "Farmer's Market" (1952) fueron convertidos en vocales memorables por Annie Ross unos años más tarde. De vuelta a Nueva York, Gray tocó y grabó con Tadd Dameron y el septeto y la big band de Count Basie (1950-1951); "Little Pony", su presentación con la orquesta de Basie, es un clásico. Gray participó en algunas jam sessions de Norman Granz ("Apple Jam" tiene un solo especialmente acalorado) y grabó con Louie Bellson (1952-1953). Irónicamente, Wardell Gray, que a finales de los años 40 sirvió de inspiración a algunos músicos más jóvenes por su oposición al consumo de drogas, se metió él mismo en las drogas y murió misteriosamente en Las Vegas el 25 de mayo de 1955, cuando sólo tenía 34 años.
https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography

Milt Jackson • Bags' Opus

 

 

 

Mal Waldron • Mal ⁄ 3 Sounds

 

Review by Scott Yanow

This is an unusual set by pianist Mal Waldron. He utilizes a sextet with trumpeter Art Farmer, flutist Eric Dixon, cellist Calo Scott, bassist Julian Euell and drummer Elvin Jones on three of his picturesque originals and his wife Elaine Waldron contributes vocals to the wordless "Portrait of a Young Mother" and Harold Arlen's "For Every Man There's a Woman."

https://www.allmusic.com/album/mal-3-sounds-mw0000091965

 Artist Biography by Scott Yanow

A pianist with a brooding, rhythmic, introverted style, Mal Waldron's playing has long been flexible enough to fit into both hard bop and freer settings. Influenced by Thelonious Monk's use of space, Waldron has had his own distinctive chord voicings nearly from the start. Early on, Waldron played jazz on alto and classical music on piano, but he switched permanently to jazz piano while at Queens College. He freelanced around New York in the early '50s with Ike Quebec (for whom he made his recording debut), Big Nick Nicholas, and a variety of R&B-ish groups. Waldron frequently worked with Charles Mingus from 1954-1956 and was Billie Holiday's regular accompanist during her last two years (1957-1959). Often hired by Prestige to supervise recording sessions, Waldron contributed many originals (including "Soul Eyes," which became a standard) and basic arrangements that prevented spontaneous dates from becoming overly loose jam sessions.

After Holiday's death, he mostly led his own groups, although he was part of the Eric Dolphy-Booker Little Quintet that was recorded extensively at the Five Spot in 1961, and also worked with Abbey Lincoln for a time during the era. He wrote three film scores (The Cool World, Three Bedrooms in Manhattan, and Sweet Love Bitter) before moving permanently to Europe in 1965, settling in Munich in 1967. Waldron, who has occasionally returned to the U.S. for visits, has long been a major force in the European jazz world. His album Free at Last was the first released by ECM, and his Black Glory was the fourth Enja album. Waldron, who frequently teamed up with Steve Lacy (often as a duet), kept quite busy up through the '90s, featuring a style that evolved but was certainly traceable to his earliest record dates. Among the many labels that have documented his music have been Prestige, New Jazz, Bethlehem, Impulse, Musica, Affinity, ECM, Futura, Nippon Phonogram, Enja, Freedom, Black Lion, Horo, Teichiku, Hat Art, Palo Alto, Eastwind, Baybridge, Paddle Wheel, Muse, Free Lance, Soul Note, Plainisphere, and Timeless. In September of 2002, Waldron was diagnosed with cancer. Remaining optimistic, he continued to tour until he passed away on December 2 in Brussels, Belgium at the age of 76.

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Reseña de Scott Yanow

Este es un set inusual del pianista Mal Waldron. Utiliza un sexteto con el trompetista Art Farmer, el flautista Eric Dixon, el violonchelista Calo Scott, el bajista Julian Euell y el baterista Elvin Jones en tres de sus pintorescos originales, y su esposa Elaine Waldron contribuye con la voz en el sin palabras "Portrait of a Young Mother" (Retrato de una madre joven) y "For Every Man There's a Woman" (Para cada hombre hay una mujer) de Harold Arlen.

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 Biografía del artista por Scott Yanow

Un pianista con un estilo melancólico, rítmico e introvertido, la interpretación de Mal Waldron ha sido durante mucho tiempo lo suficientemente flexible como para encajar tanto en el hard bop como en los ambientes más libres. Influenciado por el uso del espacio de Thelonious Monk, Waldron ha tenido sus propias voces de acordes casi desde el principio. Al principio, Waldron tocaba jazz en contralto y música clásica en piano, pero cambió permanentemente al piano de jazz mientras estaba en Queens College. Trabajó como freelance en Nueva York a principios de los años 50 con Ike Quebec (para quien hizo su debut discográfico), Big Nick Nicholas, y una variedad de grupos de R&B-ish. Waldron trabajó frecuentemente con Charles Mingus de 1954 a 1956 y fue la acompañante habitual de Billie Holiday durante sus dos últimos años (1957-1959). A menudo contratado por Prestige para supervisar las sesiones de grabación, Waldron aportó muchos originales (incluyendo "Soul Eyes", que se convirtió en un estándar) y arreglos básicos que evitaron que las citas espontáneas se convirtieran en jam sessions demasiado sueltas.

Después de la muerte de Holiday, dirigió sus propios grupos, aunque fue parte del Eric Dolphy-Booker Little Quintet que se grabó extensamente en el Five Spot en 1961, y también trabajó con Abbey Lincoln por un tiempo durante la época. Escribió tres partituras de películas (The Cool World, Three Bedrooms in Manhattan y Sweet Love Bitter) antes de mudarse permanentemente a Europa en 1965 y establecerse en Munich en 1967. Waldron, que ha regresado ocasionalmente a Estados Unidos de visita, ha sido durante mucho tiempo una fuerza importante en el mundo del jazz europeo. Su álbum Free at Last fue el primero publicado por ECM, y su Black Glory fue el cuarto álbum de Enja. Waldron, quien frecuentemente se asoció con Steve Lacy (a menudo como un dúo), se mantuvo bastante ocupado durante los años 90, presentando un estilo que evolucionó pero que ciertamente se remonta a sus primeras fechas de grabación. Entre los muchos sellos que han documentado su música se encuentran Prestige, New Jazz, Bethlehem, Impulse, Musica, Affinity, ECM, Futura, Nippon Phonogram, Enja, Freedom, Black Lion, Horo, Teichiku, Hat Art, Palo Alto, Eastwind, Baybridge, Paddle Wheel, Muse, Free Lance, Soul Note, Plainisphere y Timeless. En septiembre de 2002, Waldron fue diagnosticado con cáncer. El optimista continuó su gira hasta que falleció el 2 de diciembre en Bruselas, Bélgica, a la edad de 76 años.

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